Pubblicato il 30 Aprile 2023 Debutto per la protagonista femminile e ottimo successo di pubblico per tutto il cast e staff La Salome dell'ottima Laura Wilde servizio di Ramón Jacques

HOUSTON  (Texas, USA) Wortham Theatre Center - La Salome, opera in un atto di Richard Strauss, con la quale si conclude un'altra stagione della Houston Grand Opera, ha un significato speciale per la compagnia del teatro statunitense, essendo stato il primo titolo messo in scena nella serata inaugurale del 19 gennaio 1956. Anche se da allora non viene rappresentato frequentemente, quando è stato allestito ha avuto interpreti rappresentativi del personaggio come Grace Bumbry, Josephine Barstow o Hildegard Behrens. Per questa nuova produzione è stato inizialmente annunciato nel ruolo di Salome il soprano Amanda Majeski, ma il suo inaspettato ritiro ha permesso di assistere al debutto del soprano americano Laura Wilde, che l’ha interpretato in maniera molto soddisfacente. La Wilde si è avvicinata allo psicodramma erotico con presenza e sicurezza in ciascuna delle diverse sfaccettature del personaggio, dalla dolcezza e candore alla capricciosità e alla follia sfrenata. É riuscita a irradiare sensualità e vulnerabilità con facilità e freschezza. La sua performance vocale è stata notevole con la sua voce calda ed espressiva, che ha fornito colore e drammaticità di pari passo con la musica, espandendola e proiettandola con facilità quando richiesto, emettendo note acute e penetranti che bucavano la densa orchestrazione. Questo teatro di Houston è noto per trovare e lanciare talenti, quindi non sarebbe sorprendente sentire in seguito il nome di Laura Wilde protagonista in altri importanti progetti e su altri palcoscenici. La presenza del soprano finlandese Karita Mattila è stata un piacere nel ruolo di Erodiade: il suo canto pieno di vigore e sostanza, insieme ad un'esecuzione da applausi, non sorprendevano, provenendo da un grande nome dell'opera lirica. Il basso-baritono Ryan Mckinny ha dato carattere e una voce profonda e ben sfumata al ruolo di Jochanaan, e il tenore Chad Shelton è stato un Erode eccitato, quasi squilibrato, ma senza mai scadere negli eccessi, dando sostanza e vitalità al suo canto attraverso le qualità della propria voce. Fra i comprimari, dei solisti che hanno completato bene il cast, vanno menzionati il tenore Eric Taylor come Narraboth e il mezzosoprano Erin Wagner come Paggio di Erodiade.   La direzione di Keri-Lynn Wilson nonostante sia stata disomogenea nella scelta dei tempi, dei timbri e nella forza orchestrale, soprattutto nei passaggi più drammatici, ha comunque ottenuto un buon risultato e molta condivisione da parte dei musicisti dell'orchestra. La proposta scenica (che proveniva dal Palau de les Arts Reina Sofía di Valencia Spagna) era dello scenografo e costumista Louis Désiré, con la regia del messicano Francisco Negrin, entrambi esordienti in questo teatro americano: le loro scelte non hanno lasciato indifferente il pubblico. L'epoca è stata attualizzata per i personaggi principali, con il resto degli artisti sul palcoscenico che assistevano, guardando, con costumi di diversi periodi storici. Lo spettacolo si svolgeva su una pedana circolare, circondata da un enorme muro al centro del palco, e nella cui parte posteriore c'era un'enorme sfera, che simboleggiava il globo terrestre, dove si incontrava Jochanaan. Di fronte al pubblico, la sfera si apriva rivelando all’interno uno spazio con specchi, da cui entrava ed usciva Salome, e dove venivano proiettate le immagini variegate e variopinte di Joan Rondón, che, con le luci di Bruno Poet, creavano effetti visivamente suggestivi. La regia di Francisco Negrin si è concentrata su un lavoro più palpabile con gli artisti e più vicino agli spettatori di oggi, allontanandosi dalla concezione che solitamente abbiamo della trama; così, per esempio, la danza dei sette veli sembrava più una audace danza da discoteca con Salomè circondata da sensuali prostitute; e nella scena finale le viene consegnato il corpo completo di Jochanaan, assassinato e decapitato. Alcune idee sembravano assurde e vicine al regietheater, ma la verità è che lo spettacolo ha funzionato bene. Al di là di esprimere giudizi su quanto visto, sarebbe opportuno parlare dell'effetto che questa Salome ha avuto sul pubblico, che come raramente accade in questo teatro, al di là dei relativi applausi finali, ha avuto una sincera e calorosa reazione al termine della recita. L'opera è anche uno spettacolo per gli occhi, e da quella prospettiva, sia per il teatro che per i presenti in questa prima di cinque rappresentazioni, il compito è stato assolto egregiamente. Intanto sono stati annunciati i titoli della prossima stagione, che prevede la prima mondiale di due opere: Intelligence di Jake Heggie (creatore dell'opera Dear Man Walking) e The Big Swin della compositrice Melina Tuin, oltre ad altri titoli interessanti come Parsifal di Wagner e Tutti insieme appassionatamente (The Sound of Music) di Rodgers e Hammerstein, tra gli altri. (la recensione si riferisce alla recita di venerdì 28 aprile 2023) Crediti fotografici: Michael Bishop per il Wortham Theatre Center di Houston Nella miniatura in alto: il soprano Laura Wilde Sotto, in sequenza: belle immagini di Michael Bishop dalla Salome in scena a Houston Condividi

Pubblicato il 27 Febbraio 2023 Le celebri 'Nozze' di Mozart-Da Ponte ottimamente dirette e impreziosite da un buon cast Figaro sotto la bacchetta di Conlon servizio di Ramón Jacques

LOS ANGELES (USA) - Dorothy Chandler Pavilion. La divertente commedia per musica in quattro atti di Wolfgang Amadeus Mozart su libretto di Lorenzo Da Ponte, Le Nozze di Figaro, è un titolo che non dovrebbe mancare nella programmazione degli importanti palcoscenici americani, e al Dorothy Chandler Pavilion, teatro sede della Los Angeles Opera è un'opera che viene rappresenta regolarmente. Di fatto, questa nuova produzione scenica vista qui per la prima volta, è la riprogrammazione delle cancellazioni delle passate stagioni che il teatro ha dovuto fare a causa della pandemia. Sembra che i teatri americani si stiano rivolgendo sempre più verso i teatri europei per offrire nuove idee artistiche e sceniche, e a questa coproduzione hanno partecipato i teatri francesi Théâtre des Champs-Elysées, così come l'Opéra National de Lorraine e Les Théâtres de la Ville de Luxembourg. Sebbene secondo l'elenco degli ideatori americani del progetto, il regista teatrale James Grey, lo scenografo Santo Loquasto (la cui carriera è sempre stata strettamente legata al regista e attore Woody Allen e nel suo lavoro operistico soprattutto a questo teatro), le luci di York Kennedy, e le coreografie di Kitty Mcnamee, sembrerebbero in realtà i teatri europei che cercano di stringere alleanze con teatri di questa parte del mondo. Solo i costumi, di buona realizzazione e design, sono stati ideati dal designer francese Christian Lacroix. Le coproduzioni sono una necessità che permette ai teatri di ottimizzare le loro risorse, e anche se si tratta di un allestimento legato a scene e litografie di origine spagnola, in particolare la Siviglia del tempo indicato dal libretto, ciò che si è visto dal punto di vista dello spettatore era una scena carica di tanti elementi sul palco, scale inspiegabili, porte, alcuni oggetti senza senso che ingombravano il palco, e che alla lunga, francamente, erano una distrazione per lo spettatore, dalla musica e dalla scena. James Gray nella sua regia, ha voluto sottolineare il tema della differenza di classe tra i personaggi, e le gerarchie, creando situazioni comiche, molte delle quali già viste fino alla nausea in altre produzioni. Questo mi fa pensare, ancora una volta, all'idea del celebre regista Peter Sellars, che recentemente (lo scorso dicembre quando ha diretto Tristano e Isotta con la LA Philharmonic, presso la sala concerti Walt Disney Hall, a pochi metri da questo teatro) ha affermato che forse il futuro del teatro dell'opera, non richiede altro che un buon lavoro di recitazione che permetta di capire l'opera, concentrandosi sul canto e sulla musica, e di rompere in un certo modo quella barriera o distanza, fittizia e scenica che allontana l'azione dal libretto originario e il pubblico dalla scena. Personalmente penso che questa idea sarebbe stata applicata bene in questa occasione. Nel cast si è distinto il basso-baritono Craig Colclough, un artista di questa regione, la California meridionale, che ha mostrato una voce ampia nella sua proiezione, ma accattivante nel suo colore e nella sua espressività. Come Figaro sembrava giovanile, molto attivo e divertente sul palco. Il soprano Janai Brugger, che ha debuttato qui in questa nella stessa opera nel 2010 come Barbarina, ha impersonato e cantato molto bene il ruolo di Susanna, eccellendo nella sua aria "Giunse alfin il momento - Deh vieni, non tardar". La Brugger è una giovane soprano americana che ha già una carriera in America e probabilmente la farà presto a livello internazionale. Una scoperta piacevole è stata ascoltare il mezzosoprano Rihab Chaieb come Cherubino, un'artista che sa muoversi con disinvoltura e convinzione, e che sa dare al suo canto brunito tocchi di morbidezza. Il soprano portoricano Ana María Martínez ha interpretato con la sua lunga esperienza il ruolo della Contessa d'Almaviva  con un'adeguata personificazione del personaggio, e il baritono Lucas Meachem, ha impersonato un Conte irascibile e aggressivo; è un cantante di indubbie qualità e un artista consolidato, che tuttavia non mi sembra particolarmente ideale o adatto a Mozart. Eccezionali per il canto e lo sviluppo della recitazione sono stati la leggendaria mezzosoprano Marie McLaughlin come Marcellina, e il basso islandese Kristinn Sigmundsson come Dottor Bartolo. Nel cast si potevano ascoltare il tenore Rodell Aure Rosell (Don Basilio), il mezzosoprano Deepa Johnny (Barbarina), il basso-baritono Alan Williams (Antonio) e il tenore Anthony León (Don Curzio), che, pur facendo parte del programma di giovani cantanti del teatro, svolge parallelamente un'interessante carriera internazionale. Immagino che presto smetteremo di vederlo in ruoli secondari con questa compagnia. Nella sua prima apparizione in questa stagione nel teatro di cui è il suo direttore musicale, c'era James Conlon in buca: la sua presenza nelle passate produzioni Lucia di Lammermoor e Tosca, primi titoli della stagione, era mancata  e al suo ritorno si è notato ordine, coesione e livello superiore nell'orchestra, e ha diretto con la sua solita sapienza, sicurezza ed entusiasmo, offrendo una concertazione degna di questo teatro.     Simpatico il dettaglio del pianista accanto alla buca orchestrale, che, più in alto dell’orchestra e vestito da Mozart ha ben caratterizzato i recitativi accompagnati. (la recensione si riferisce alla recita di sabato 11 febbraio 2023) Crediti fotografici: Cory Weaver per il Dorothy Chandler Pavilion di Los Angeles Nella miniatura in alto: il direttore James Conlon Al centro: scena da Le nozze di Figaro per la regia di James Grey Sotto in sequenza: Janai Brugger (Susanna), Ana Maria Martinez (Contessa d'Almaviva), Deepa Johnny (Barbarina), Rihab Chaleb (Cherubino); Lucas Meachem (Conte d'Almaviva), Ana Maria Martinez; Janai Brugger, Kristinn Sigmundsson (Bartolo), Marie McLaughlin (Marcellina) Craig Colclough (Figaro); Lucas Meachem, Ana Maria Martinez Condividi

Pubblicato il 24 Febbraio 2023 I teatri americani sono avari di rappresentazioni per il grande capolavoro di Jules Massenet Werther riscoperto a Houston servizio di Ramón Jacques

HOUSTON Wortham Theatre Center, Texas (USA) - Werther  è l'opera (o drama-lyrique) in quattro atti di Jules Massenet (1841-1912) con libretto di Édouard Blau, Paul Milliet e Henri Grémont, è stato il secondo titolo della presente stagione della Houston Grand Opera; in verità, il Werther di Massenet non ha mai potuto affermarsi nel gusto del pubblico o nella programmazione delle stagioni dei teatri americani. Facendo un breve conteggio, considerando solo i palcoscenici più importanti di questo paese nordamericano, abbiamo scoperto che il Metropolitan di New York l'ha programmata nel 2014, e le recite della stagione 2019-2020 sono state cancellate a causa del Covid; all'Opera di San Francisco è stato visto per l'ultima volta nel settembre 2010; all'Opera di Los Angeles nel settembre 199; e alla Lyric Opera di Chicago nel novembre del 2012, curiosamente con lo stesso protagonista di questa produzione. Proprio qui a Houston gli allestimenti di questo titolo sono considerati una rarità ed è stata una scoperta per molta parte  del pubblico, se si considera che qui il Werther è stato messo in scena solo una volta, nella stagione 1978-1979. Sarebbe motivo di ragionare  sul perché lo spettacolo non si veda più spesso negli Stati Uniti, ma a mio parere personale, dopo aver assistito a così tante produzioni di titoli e allestimenti, alcune polemiche, nei teatri di questo paese, forse la scelta dell'opera è un argomento sensibile, e la decisione politicamente corretta è quella di evitare di alimentare altre polemiche con il pubblico, che è - nel suo intimo - spesso conservatore. La verità è che Werther è un titolo che vale la pena vedere quando possibile, per il valore musicale e vocale che contiene.   Le scene nella maggior parte degli atti si svolgono all'interno di un mutevole gioco di colori di luce, ideati dallo stesso Charles Edwards, in linea con i sentimenti e gli istanti che in quel momento vengono espressi dalla musica e dai personaggi: un brillante cielo blu con muri che delimitano lo sfondo del palcoscenico e leggermente inclinati lateralmente, creano una prospettiva attraente per il pubblico, e il design del salone di un palazzo dove si svolge il terzo atto è di una bellezza francamente ammirevole. Dal punto di vista scenico tutto era ben organizzato a Houston, e la compagnia non ha risparmiato risorse per importare in USA l’allestimento appartenente all'Opéra de Paris e alla Royal Opera House Covent Garden, diretto dal regista francese Benoît Jacquot, con scene semplici ma eleganti di Charles Edwards, e ammirevoli costumi d'epoca di Christian Gasc. I ruoli principali sono stati cantati da due artisti americani, nei loro debutti in questo teatro, così il ruolo di Werther è stato cantato dal tenore Matthew Polenzani, la cui voce ha acquisito corpo, senza perdere quella consistenza vocale ed eleganza, per comunicare e permeare nel suo canto la tristezza e la passione che la sua parte richiede. Con buona dizione e accentuazione la sua performance è stata adeguata e soprattutto credibile È stato affiancato dal mezzosoprano Isabel Leonard (Charlotte), il cui timbro oscuro e profondo sembra adattarsi sia al dramma che al sentimento richiesto dal suo ruolo, esibendo un magnetismo attraente e suggestivo sul palco. Entrambi gli artisti si compenetravano vocalmente e attorialmente sul palco, ricordandoci che questo è un teatro di prim'ordine, anche se i loro obiettivi si sono concentrati in un'altra direzione e la presenza di cantanti affermati è sempre più scarsa. Piacevoli sensazioni hanno suscitato il soprano Jasmine Habersham per la sua delicata e fragile Sophie, come per il suo eccezionale dispiegamento vocale, così come il baritono Sean Michael Plumb come  sicuro e autoritario Albert, possessore di un potente strumento che ha saputo modulare e armonizzare in linea con la sua performance di recitazione. Buona è stata la caratterizzazione del basso-baritono Patrick Carfizzi come Le Bailli, e il resto della compagnia di canto è stata corretta, per la freschezza giovanile e l’attitudine mostrata dal tenore Richard Garcia (Schmidt), il mezzosoprano Emily Triegle (Katchen), il baritono Luke Sutcliff (Bruhlmann) e il basso Cory McGee (Johann). Una menzione positiva anche per il Coro di  bambini diretto da Karen Reeves. A capo dell'orchestra c'era il veterano ed esperto maestro Robert Spano, meglio conosciuto per la sua posizione a capo dell'Atlanta Symphony Orchestra, che ha saputo estrarre le sfumature, i colori e i sentimenti contenuti nella partitura, ma il cui approccio più sinfonico che operistico, sembrava a volte andare nella direzione opposta da quello di cercare un insieme e un equilibrio sulla scena. Alla fine sono dettagli che non sminuiscono il suo valore di diretore e concertatore, né il piacere di poter assistere con questo lavoro a uno degli allestimenti più meritevoli che personalmente ho visto a Houston in diverse stagioni d’opera.  (la recensione si riferisce alla recita di venerdì 10 febbraio 2023) Crediti fotografici: Michael Bishop per Wortham Theatre Center Houston Nella miniatura in alto: il protagonista del Werther, Matthew Polenzani Al centro: ancora Polenzani con Isabel Leonard (Charlotte) Sotto: una bella immagine espressiva catturata da Michael Bishop su Isabel Leonard Condividi

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