Pubblicato il 23 Settembre 2024 Un concerto ha fatto da 'preludio' alla prima mondiale dello spettacolo di Artemis Danza Donne nelle arie di Puccini

FERRARA - Il Teatro Comunale "Claudio Abbado" ha inaugurato il Festival di danza contemporanea con una prima esecuzione mondiale dello spettacolo Puccini's Opera - Voci di donne realizzato dalla coreografa e regista Monica Casadei con la sua Compagnia Artemis Danza di Parma. Nell'ambito della giornata dedicata a questo importante appuntamento coreutico, gli allievi del corso di alto perfezionamento tenuto a Ferrara dal maestro Leone Magiera (presidente onorario del Teatro Abbado) hanno omaggiato sia l'evento spettacolare, sia il centenario della scomparsa di Giacomo Puccini con un impegnativo concerto dal titolo altrettanto impegnativo: Donne nella arie di Puccini. In realtà non si è trattato solo di 'donne' perché a cantare arie, duetti, quartetti pucciniani c'erano anche un baritono e un tenore. Al pianoforte sedeva la pianista e direttore d'orchestra Nicoletta Conti mentre in pedana erano, appunto, il tenore Carlo Emilio Confalonieri e il baritono Donato Di Gioia contornati da uno stuolo invidiabile di giovani soprani; Giada Bastoni, Annalisa Ferrarini, Mariia Komarova, Paola Pelella, Rosa D'Alise e Bohui Yao. Insieme ad arie poco frequentate anche in concerto quali "Se come voi piccina" (Le Villi), "Questo amore" (Edgar), "Il bel sogno di Doretta" (La rondine) sono state eseguite le più belle arie del repertorio pucciniano quali "Sì mi chiamano Mimì" e il valzer di Musetta "Quando men'vo" (La bohème), "Vissi d'arte" (Tosca), "Un bel dì vedremo" (Madama Butterfly), "O mio babbino caro" (Gianni Schicchi), "Signore ascolta" e "Tu che di gel sei cinta" (Turandot), oltre al duetto finale del primo quadro ("O soave fanciulla") e al quartetto finale del terzo quadro di Bohème ("Ci lasceremo alla stagion dei fior" con il recitativo/litigio di Marcello e Musetta).     Sotto l'attenta esecuzione strumentale di Nicoletta Conti al pianoforte, gli allievi di Leone Magiera si sono distinti per l'ottima preparazione e per la particolare propensione ad interpretare anche col gesto (oltre che con il canto) i momenti più emotivamente significativi delle seducenti melodie scritte dal sor Giacomo. Il numeroso pubblico presente nel Ridotto del Teatro Abbado, ha riservato ai cantanti e alle cantanti molti gratificanti applausi, meritatissimi. Il commento a caldo del maestro Marcello Corvino (direttore artistico del Teatro Abbado) è stato: «... questi ragazzi stanno seguendo le lezioni di Magiera da poco più di tre mesi; io ero presente durante le selezioni di ammissione al corso e devo dire che il miglioramento e la crescita artistica rispetto a tre mesi fa è veramente sorprendente.» A coronamento dell'applauditissimo concerto, è stato offerto come bis fiori programma l'aria da camera, sempre di Puccini, Sole e amore dove hanno cantato tutti, alternandosi frase dopo frase del libretto e concludendo sull'ultimo verso in un assieme come coro. (a.t.) (il servizio si riferisce al concerto di Domenica 22 settembre 2024) Crediti fotografici: Fototeca gli Amici della Musica Uncalm Nella miniatura in alto: la pianista e direttore d'orchestra Nicoletta Conti al centro, in sequenza: Giada Bastoni, Annalisa Ferrarini, Donato Di Gioia, Mariia Komarova, Carlo Emilio Confalonieri e Paola Pelella, Rosa D'Alise, Bohui Yao, Nicoletta Conti (al pianoforte), Donato Di Gioia e Bohui Yao Sotto: tutti assieme per il bis Sole e amore Condividi

Pubblicato il 15 Maggio 2024 L'oratorio di un Nicola Porpora già musicalmente maturo messo in scena da Ravenna Festival La Divina Giustizia canta il monito sevizio di Athos Tromboni

RAVENNA - Entrando nella Basilica di San Giovanni Evangelista si resta colpiti dalla sobrietà e insieme solennità delle architetture. La chiesa fu eretta dall’imperatrice Galla Placidia negli anni successivi al 424 dopo Cristo, per sciogliere un voto espresso durante una rovinosa burrasca in mare in cui era incappata al ritorno da Costantinopoli: se fosse riuscita a salvarsi dal naufragio, avrebbe eretto una chiesa come segno di ringraziamento a Dio per lo scampato pericolo. E così fece una volta rientrata a Ravenna, come ricorda il testo del Liber Pontificalis di questa chiesa ravennate e la stessa iscrizione in marmo presente sul portale d’ingresso: «Galla Placidia, suo figlio Placido Valentiniano Augusto e sua figlia Giusta Grata Onoria hanno rispettato i voti presi per essere stati salvati dalle intemperie del mare.» Nel corso dei secoli, l’edifico ha subìto svariati interventi di ripristino e restauro, soprattutto all’indomani del 1944 quando la Basilica fu ampiamente danneggiata da bombardamenti aerei che causarono la distruzione non solo del ciclo di affreschi del XII-XIV secolo ma anche dei mosaici dell’abside. Nel suggestivo ambiente di questa Basilica, Ravenna Festival ha prodotto l'oratorio in due parti  di Nicola Porpora, Il trionfo della Divina Giustizia ne’ tormenti e morte di Gesù Cristo. Per la Congregazione di Nostra Signora de’ Sette Dolori di Napoli, che commissionò nel 1716 a Porpora la partitura, si trattava di un lavoro da eseguirsi la settimana precedente quella di Pasqua, con la finalità di rievocare gli avvenimenti riguardanti la passione e la morte di Gesù, offrendo ai fedeli, com’era consuetudine, l’occasione di immergersi in considerazioni dottrinarie ed esegetiche, talora affidate a personaggi allegorici  (in questo caso alla Divina Giustizia).     Il tutto, poi, culminava nel Compianto sul Cristo morto tra le braccia della Madonna, sua madre, immagine adatta a “muovere gli affetti”, a suscitare quella commozione che conteneva in sé il monito d'astenersi da ogni peccato, come ha ben spiegato il musicologo e revisore della partitura, Gaetano Pitarresi, nelle note del programma di sala. Ravenna Festival (per intervento e mano di Angelo Nicastro) ha scelto di unire, dunque, riflessione ed emozione realizzando una messa in scena minima, e in costume, anziché affidarsi alla forma del concerto oratoriale; per suscitare la pietà e la partecipazione degli ascoltatori. Nessuna trasgressione, né edonistica, né filologica, perché questo oratorio, anche all'epoca di Porpora, probabilmente non veniva eseguito nella statica e fredda forma di concerto, ma piuttosto era legato alla pratica delle sacre rappresentazioni, quindi dotato di una propria seppure semplice drammaturgia e di elementi rappresentativi, capaci di catturare l’attenzione e fissare i cardini della narrazione. Così a Ravenna, all'inizio della rappresentazione, entra in scena la Divina Giustizia (al secolo, il soprano Erica Alberini) mentre il direttore dell'Ensemble Dolce Concento, maestro Nicola Valentini, dà il La alla sinfonia iniziale. Erica Alberini incede lentamente, ha una candela la cui fiammella vibra passo dopo passo senza spegnersi, e si china su otto ceri accendendoli uno dopo l'altro. Dopo l'accensione dei ceri, la Divina Giustizia esce di scena per comparire dal fondo della basilica guidando la processione, con Maria, la madre di Gesù (il contralto Candida Guida), l'apostolo Giovanni (il tenore Angelo Testori) e l'immancabile Maddalena di Magdala (il soprano Chiara Nicastro). Portano ognuno un cero acceso che depositano in maniera sparsa fra gli altri otto ceri già precedentemente accesi: saranno 12 fiammelle tremolanti al soffio anche solo d'uno sternuto; ma il numero è simbolico ed evocativo (12 gli apostoli, 12 i mesi dell'anno, 12 i cicli lunari, 12 i segni dello zodiaco, 12 le costellazioni che percorre il sole durante l'anno, 12 le vertebre toraciche del nostro corpo, due volte 12 le nostre costole, 12 le stelle della bandiera europea indipendentemente dal numero delle nazioni aderenti all'Unione; e si potrebbe continuare nell'elenco...) Depositati i ceri, i personaggi si recano dietro l'altare da dove canteranno, come singoli e come coro, le proprie parti. Poi la Divina Giustizia si reca all'ambone e da lì canterà il suo monito e il significato del proprio intervento come "messaggera" di Dio. Ogni personaggio andrà a cantare le proprie parti anche davanti, schiena all'altare fronte all'orchestra, alternandole con frequenti ritorni dietro l'altare, soprattutto quando prevale la funzione di Coro.   Il Compianto prende via via forma e sostanza, anche se  le lamentazioni di Maria, di Giovanni, di Maddalena, vengono consolate dalle parole ispirate della Divina Provvidenza, tese a dimostrare che l'immanente è logico anche se tragico; e la fede nella volontà di Dio è dovuta, La prima parte dell'oratorio si conclude con un contrappunto fugato a 4 voci di superba scrittura (Porpora) e di magnifica concertazione (Valentini), una bella esecuzione musicale e vocale che ha saputo "muovere gli affetti" oltre lo zenit delle più alte emozioni. Encomiabile Nicola Valentini sul podio e bravissimi i musici (Lucrezia Nappini e Stefano Gullo, violini; Alice Bisanti, viola, Paolo Ballanti, violoncello; Sebastiano Barbieri, contrabbasso; Filippo Pantieri, clavicembalo); perfetti i cantori. Nella seconda parte dell'oratorio è intervenuta, ponendosi all'ambone, anche la tromba barocca (Simone Amelli) e la musica d'accompagnamento ha assunto quella solennità e gravità che preludevano alla crocifissione di Gesù e all'adorazione della croce come simbolo di salvezza, non solo dunque strumento di agonia e morte infame. I ceri vengono spostati, sempre dalla Divina Giustizia, per formare una croce di fiammelle. È la croce ai piedi della quale si accascia Maria, affranta dalla pietà di madre per il figlio inchiodato ai legni; e subito il personaggio esce dalla ieraticità dottrinale per divenire donna e madre dalla sofferenza palpabile, dolore condivisibile, singulto e pianto della fragilità umana di fronte alla ferocia umana: «... Ma già che legge eterna / morte d'amara croce a un Dio prefisse / perché lungi non è dal suo morire / d'acuti chiodi il barbaro martìre? ...» Il testo dell'oratorio musicato da Nicola Porpora è di un poeta rimasto anonimo. Nella Basilica di San Giovanni Evangelista non abbiamo assistito a una edizione integrale, alcuni tagli (peraltro non inficianti il valore drammaturgico dell'opera) sono stati fatti, preventivamente dichiarati anche nelle pubblicazioni del Festival ravennate. E comunque è stata una eccellente esecuzione, quella cui abbiamo assistito. Nicola Valentini è studioso ed esperto del barocco (ma non solo) come egregiamente ha saputo dimostrare dirigendo con le mani senza bacchetta, dando le indicazioni necessarie ai cantanti a tempo giusto, mimando a loro guida gli incipit di ogni versetto; le giovani voci in scena si sono dimostrate all'altezza del canto barocco più specialistico: Erica Alberini nel personaggio della Divina Giustizia ha messo in mostra musicalità, buona intonazione, mimica e gesto espressivi; Candida Guida (Maria) ha quel colore brunito e rotondo che fa del suo timbro contraltile una vera delizia all'ascolto; Angelo Testori (Giovanni) ha emissione morbida, ottima nel medium, e fraseggio vario e sfumato adatto per il barocco; Chiara Nicastro (Maddalena) oltre alla bella vocalità di soprano leggero ha una gestualità corporale e una mimica facciale da attrice drammatica. Pubblico non numeroso alla "prima" rappresentazione cui abbiamo assistito a Ravenna Festival, ma molto molto caloroso al termine, dopo aver seguito tutto l'oratorio in silenzio e concentrazione. Ma chi non ha assistito alla "prima" può recuperare: repliche ogni giorno alle ore 19 fino al prossimo 19 maggio. (La recensione si riferisce alla recita di martedì 14 maggio 2024) Crediti fotografici: Zani-Casadio per il Ravenna Festival Nella miniatura in alto: il direttore Nicola Valentini Al centro in sequenza: Candida Guida (Maria), Chiara Nicastro (Maddalena) e Angelo Testori (Giovanni); ancora Chiara Nicastro e Candida Guida; Erica Alberini (Divina Giustizia); ancora il direttore Nicola Valentini Sotto: panoramica sulla seconda parte dell'oratorio; e a seguire due suggestive forografie di Zani-Casadio sulla prima e sulla seconda parte dell'oratorio Condividi

Pubblicato il 10 Maggio 2024 La seconda opera del ring L'anello del Nibelungo ha meritato il successo Die Walküre secondo Luisi servizio di Ramón Jacques

DALLAS (Texas, USA) - Il 5 maggio 2024 Con Die Walküre WWV 86B è proseguito il ciclo dell' Anello del Nibelungo di Richard Wagner, che la Dallas Symphony Orchestra quest’anno sta portando avanti, ciclo che si interromperà e riprenderà nel mese di ottobre di questo stesso anno. Wagner ha composto la musica per Die Walküre tra il 1854 e il 1856, secondo dei quattro drammi che compongono l’Anello, e solitamente titolo eseguito in scena con maggiore frequenza. Grazie ad esso è possibile comprendere l'universo musicale intenso e coinvolgente del compositore tedesco, con l'adrenalina che trasmette, ad esempio, il noto preludio al terzo atto, la “Cavalcata delle Valchirie”, (Walkürenritt o Ritt der Walküren nel suo originale in tedesco), tra gli altri. In fondo la musica di Wagner è conosciuta anche da chi non sa chi sia il compositore, un personaggio venerato da molti, quanto disprezzato; ma non si può negare che si tratti di una figura importante della seconda metà del XIX secolo, la cui influenza ha plasmato diversi aspetti della cultura occidentale, oltre la parte strettamente musicale, come la politica, la letteratura, la filosofia, e la cui eredità perdura dopo la sua morte. L'esecuzione di Das Rheingold (prima opera della tetralogia dell' Anello) aveva lasciato buone sensazioni, ma questa versione del secondo dramma musicale epico ha superato le aspettative e ha lasciato molto appagamento sia per la parte vocale che per quella orchestrale tra il pubblico che affollava questa sala da concerto. Il tipo di presentazione che prevarrà in tutti i titoli del ciclo è quello dell'opera in forma di concerto, anche se ancora una volta si è visto il tocco del regista Alberto Triola, che ha posizionato alcune sedie sul palco, oltre all'uso brillante dei colori con le luci di Krista Billings. Alcune idee come Wotan che finge di alzare la spada con il braccio, o Siegmund e Siegliende che camminano per i corridoi tra il pubblico, o personaggi che danno le spalle al pubblico, pur non incidendo sulla trama, sarebbero inutili, considerando il valore musicale e vocale che emana da questa partitura, e sembrerebbe in qualche modo andare contro l’invito dell'orchestra di concentrarsi sulla musica e sul canto, il tutto completato da una descrizione della trama sullo schermo dove sono stati proiettati i sopratitoli. Parlando in particolare dell'aspetto vocale, questo ha commosso e emozionato molti, per la carica di emotività e choc che il primo atto ha regalato, con la voce solida e penetrante del tenore Christopher Ventris, che come Siegmund ha esibito una vocalità robusta, con notevoli qualità di chiarezza e colorazione timbrica, che ha saputo coniugare con la sensibilità, la tenerezza e il sentimento espressi dal soprano americano Sara Jakubiak come Sieglinde attraverso voce e presenza. La fine del primo atto ha provocato un'ovazione intensa e tumultuosa che ha fatto uscire entrambi i cantanti alla ribalta per ringraziare più volte per gli applausi incessanti. Questa interpretazione sarà ricordata come uno dei momenti memorabili di questo Ring. Da parte sua, il basso danese Stephen Milling personificava un Hunding  malevolo e corpulento, la cui voce si distingueva maggiormente per la sua potenza eccessiva, che non era sempre raffinata o usata con significato. Il basso-baritono Mark Delavan ha mostrato notevoli mezzi vocali ed esperienza nei panni di Wotan, con una voce ben gestita e ricca di sfumature, così come il mezzosoprano turco-tedesco Deniz Uzun, che soprattutto nel ruolo di Fricka, sebbene abbia cantato anche il ruolo di Waltraute, è piaciuta per la sua esibizione vocale luminosa ed esplosiva, con una voce di qualità brunita, setosa ed energica ma ben incanalata per definire il carattere del suo personaggio. È piaciuta la performance vocale del soprano Lise Lindstrom, che ha convinto per il modo in cui ha indossato i panni del personaggio di Brünnhilde, mostrando compostezza, drammaticità e fragilità quando la scena lo richiedeva. Non possiamo non menzionare il contributo del resto delle Valchirie cantate dai soprani Alexandra Loutsion (Gerhilde), Miriam Clark (Ortlinde), Sun-Ly Pierce (Siegrune), Kathryn Henry (Helmwige), così come quello dei mezzosoprani Jennifer Johnson-Cano (Schwertleite), Melody Wilson (Rossweisse) e Renée Tatum che ha cantato il ruolo di Grimgerde. La direzione di Fabio Luisi (direttore principale dell'orchestra) per Die Walküre, è stata più mirata e dettagliata che in Das Rheingold, sicuramente più attenta alla proiezione delle voci e all'equilibrio con la massa orchestrale; ed i musicisti hanno risposto con una buona esecuzione, omogenea in tutte le sue linee, particolarmente brillante negli ottoni, in un'esecuzione che nel suo equilibrio complessivo ha regalato momenti emozionanti, angosciosi e suggestivi come solo questa musica sa trasmettere. Crediti fotografici: Ufficio stampa della Dallas Symphony Orchestra Nella miniatura in alto: il direttore Fabio Luisi Al centro: panoramica su solisti e orchestra Sotto: Christopher Ventris  (Siegmund) e Sara Jakubiak (Sieglinde) Condividi

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